Eva Barto
Eva Barto remet en cause les enjeux qu’impliquent la propriété en déstabilisant le statut de l’auteur ainsi que l’économie de production et de diffusion des œuvres. Elle constitue des environnements ambigus, des contextes de négociations apparemment dénués de particularités dans lesquels il est difficile de saisir ce qu’il faut considérer ou laisser pour compte. Les objets qu’elle conçoit sont des emprunts au réel qu’elle copie ou modifie pour leur donner une valeur d’imposture. Le pouvoir revient ici aux parieurs, aux falsificateurs et aux coupables de plagiat. Née en 1987. Après un diplôme aux Beaux-Arts de Paris en 2013, Eva Barto participe au programme de Post-Diplôme international de L’ENSBA Lyon. Son travail à fait l’objet de trois expositions personnelles à l’IFAL (Mexico) à La BF15 (Lyon) et à Primo Piano (Paris). Après une résidence à Triangle (Marseille), elle présente en 2015 un nouveau projet à la galerie Marcelle Alix (Paris) et présente actuellement une exposition personnelle à Level One, Gb Agency (Paris).
Delphine Bedel
Delphine Bedel est commissaire d'exposition, photographe et éditrice, fondatrice de Monospace Press.
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Delphine Bedel is a curator, photographer and publisher, founder of Monospace Press.
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Alexander Binder
Alexander Binder was born on Halloween night 1976 in the Black Forest/Germany. He’s a totally self taught photographer using vintage, glass & plastic lenses, prisms and optical toys. A fan of Hans Bellmer and Herbert List, Alexander creates mystical and ethereal photos, which are characterized by a strong passion for the spiritual and the surreal. Alexander’s photos have been exhibited internationally (Germany, France, UK, Poland, US, Canada, Northern Ireland, Italy, Netherlands). The images were published in VICE, SLEEK, TUSH, TWIN, GUP, Clark, Fotografia, Süddeutsche Magazin and many more. His books and zines are held in the collections of the National Art Library, British Library, Deutsche Nationalbibliothek, Salford Zine Library, Indie Photobook Library, The Library Project and the Médiathèque André-Malraux de Strasbourg. In the last years Alexander collaborated with various bands and musicians such as Stephen O’Malley, Philippe Petit, Vaura, Dreamcrusher, The Present Moment, Unison, Ural Umbo and Black Mountain Transmitter – to name just a few.
Alexander Binder was born on Halloween night 1976 in the Black Forest/Germany. He’s a totally self taught photographer using vintage, glass & plastic lenses, prisms and optical toys. A fan of Hans Bellmer and Herbert List, Alexander creates mystical and ethereal photos, which are characterized by a strong passion for the spiritual and the surreal. Alexander’s photos have been exhibited internationally (Germany, France, UK, Poland, US, Canada, Northern Ireland, Italy, Netherlands). The images were published in VICE, SLEEK, TUSH, TWIN, GUP, Clark, Fotografia, Süddeutsche Magazin and many more. His books and zines are held in the collections of the National Art Library, British Library, Deutsche Nationalbibliothek, Salford Zine Library, Indie Photobook Library, The Library Project and the Médiathèque André-Malraux de Strasbourg. In the last years Alexander collaborated with various bands and musicians such as Stephen O’Malley, Philippe Petit, Vaura, Dreamcrusher, The Present Moment, Unison, Ural Umbo and Black Mountain Transmitter – to name just a few.
Étienne Bossut
On pourrait dire du travail d'Étienne Bossut que son lieu évident serait l'objet tandis que je crois que le lieu réel de son travail est le moulage, la procédure du moulage. Celle-ci, en l'occurence le moulage, est à envisager en temps que moyen de la sculpture mais aussi en temps que concept, désormais reformulé, refondé par la pratique même d'Étienne Bossut. On pourrait qualifier le moulage de prise de forme au sens ou l'on parle d'une prise de vue en photographie. Cette prise de forme est à concevoir du point de vue de la surface, ce qui montre une contiguïté assez nette avec la question de la photographie, et qui mériterait d'être examinée plus précisément. Cette prise de forme de surface serait le moulage comme production d'image et plus précisément, dans le mode et la forme de la sculpture, production d'objet image.Christian Bernard, directeur du MAMCO, Genève
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Pierre Budet
Pierre Budet vit et travaille à Rennes, il dessine sur des formats et supports variés. Ses dessins mettent principalement en scène des figures sombres et autoritaires, abordant le thème bourreau/victime de manière sarcastique.
+ sur Pierre Budet
Armelle Caron
Artiste plasticenne, armelle caron est diplômée des beaux arts d'avignon en 2004. Depuis elle explore le monde et les cartes au travers du dessin et de l'écriture. Ce travail d'une grande sobrité plastique prend forme dans des séries qui allient souvent le texte et le trait. Elle propose un regard poétique sur notre rapport à l'image du monde.
Leslie Chaudet
Les productions de Leslie Chaudet trouvent leurs fondements dans les relations entre l’individu et son environnement. Caractérisée par un fort attachement aux matériaux, sa pratique de la sculpture et de l’installation nous plonge dans un rapport sensible au monde qui nous entoure.La dialectique du quotidien intervient de manière récurrente dans son travail et s’y retrouve souvent associée à un événement particulier, un matériau, un objet.Son travail s’inscrit autant dans la sphère formelle de la sculpture que de l’installation. Dans ses premières œuvres, elle commence par développer un travail sur l’enveloppe corporelle, le corps hybride puis le corps expansé. Par la suite, elle privilégie des formes plus dépouillées axées sur la notion de corps résiduels, de traces, d’empreintes. Les gestes qu’elle opère dans l’espace ou au travers des matériaux témoignent d’une présence évanouie.
Didier Clain
ouvrage collectif
Jocelyn Cottencin
Après une double formation en art et architecture, il s’intéresse à différents domaines des arts dit appliqués - notamment le design, l’architecture, le graphisme. Artiste et graphiste, il s’intéresse particulièrement à la question de l’émission et de la réception des images, des codes et des langages, et plus encore à la capacité d’un projet et d’un travail à ne pas circonscrire un territoire mais à circuler entre différents points. Depuis une quinzaine d’années, son travail s’est développé d’une part sur le développement du studio Lieux Communs, plate-forme de création graphique, typographique et éditoriale, et d’autre part sur la mise en œuvre de projets dans les champs des arts visuels et de collaboration avec d’autres artistes notamment des chorégraphes.
Simon de la Porte
« Simon de la Porte est un musicien (Simon Indoor), graphiste, photomonteur et dessinateur. Il était aussi le co-éditeur des éditions JHON entre 2000 et 2010 (monographies d’artistes et nombreuses collaborations), et de la très bref revue Neverending. Entre 2008 et 2012 il créé avec un ami Le blog DE JEAN-PAUL CUIR, blog de photomontages entre potacherie et poésie. En 2014, il se remet au dessin au feutre, il continue depuis, et on a pu voir sa première exposition au feutre cet automne à CO, à Paris. »
Delphine Descaves
Titulaire d'une maîtrise et d'un CAPES de Lettres modernes.
Professeur de lettres modernes au lycée Anita Conti à Bruz.
Collaboratrice à la revue L'Oeil électrique de 1998 à 2004.
Collaboratrice à la revue de littérature contemporaine Le Matricule des Anges depuis 2005. (http://www.lmda.net/)
Collaboratrice aux éditions Belin-Gallimard pour les éditions scolaires des Lettres persanes de Montesquieu et du Livre de ma mère, d'Albert Cohen.
Participation à la revue de littérature contemporaine suisse Vice-versa littérature.
céline duval documentation
Editions :Yves Drillet
Yves Drillet est un photographe rennais formé à la Villa Arson de Nice puis au studio parisien Rouchon comme assistant de plateau. Il tire parti de ce double apprentissage de la photographie artistique et de mode dans une pratique centrée sur le portrait. En 2014 il est nommé « Emerging photographer » par le festival Plat(t)form au Fotomuseum de Winterthur. À propos de ses portraits la curatrice Sofie Crabbé écrit : « Il saisit expressions et postures lesquelles convoquent un mélange touchant de dureté, innocence, vulnérabilité, mais plus que tout une aura silencieuse, intérieure. (...) Une histoire dont il appartient au regardeur de la découvrir et qui évoque à chaque fois un sentiment, une humeur particulière. »
Christelle Familiari
Nicolas Floc'h
Nicolas Floc’h investit de nombreux champs artistiques. Ses installations, photographies, sculptures ou encore performances questionnent une époque de transition, où les flux, la disparition et la régénération tiennent une place essentielle. Artiste engagé, il ne cesse de travailler à partir de constats sociétaux, environnementaux et économiques, où il imagine de possibles évolutions. De ses projets au long cours, nourris d’océans, de rencontres, d’apprentissages et de la recherche scientifique, naissent des œuvres ouvertes, ancrées dans le réel, où les processus collaboratifs et évolutifs tiennent la première place.
Nicolas Floc’h compte à son actif d’importantes expositions personnelles et collectives en France ou à l’étranger (FRAC Bretagne, FRAC Provence-Alpes-côte-d’azur, SMAK, Gand-Belgique, Centre Georges Pompidou, Paris, MAC/VAL, Vitry-sur-seine, Palais de Tokyo, Paris, Contemporary Art Factory, Tokyo-Japon, Winzavod, Moscou-Russie, etc.)
Nikolas Fouré
L’inscription, la trace, l’assemblage, le faire-temps sont mes outils. La diversité des matériaux et médiums pratiqués est pour moi une nécessité. Gestes et matériaux sont autant du vocabulaire que des formes syntaxiques au service des multiples récits que peuvent se représenter les regardeurs. Mes propositions plastiques questionnent notre environnement, ses représentations, ses stéréotypes et ses idiosyncrasies. Mon intérêt pour le paysage ne s’arrête pas strictement aux formes de la nature mais à tout ce qui constitue notre environnement - notre milieu - de l’architecture à nos systèmes d’organisation sociale. La répétition est une récurrence dans ma pratique, elle engage la dialectique simplicité/complexité. Elle est guidée par le désir d’un renversement des repères spatio-temporels, mettant en parallèle nos artefacts technologiques et les formes de la nature. Le principe numérique est une lecture essentielle à la compréhension de notre Monde aujourd’hui. Au-delà du matériau et de la technologie, le concept de numérique implique une relation à l’unité et sa répétition : qu’elle soit intrinsèque à la Nature (les feuilles d’un arbre, les poils d’un pelage...), inhérente à la technique (les briques d’un mur, le calepinage du carrelage...) ou quotidienne dans nos gestes répétés.
Olivier Garraud
Editions :Bernadette Genée
Depuis une quinzaine d'années les artistes Bernadette Genée et Alain Le Borgne conçoivent et réalisent des projets communs. Ils créent des liens avec différents milieux et univers en apparence éloignés du monde de l'art (gens du cirque, agriculteurs, industriels du textile, militaires ou religieux de la cité du Vatican par exemple).Ils développent parallèlement une réflexion sur l'usage des documents en lien direct avec les activités humaines.Les artistes tentent, par de légers déplacements et de nouvelles rencontres, de dégager d'autres lectures des mondes observés. Si leur collecte n'est pas scientifique, elle est cependant organisée et procède par corpus sélectionnés, comparant les traces à articuler pour aboutir à des représentations inattendues.Ils produisent régulièrement des éditions et livres d'artistes qui témoignent des échanges et saisies effectuées pour chaque recherche.
Jérémie Gindre
Jérémie Gindre (*1978) est un artiste et écrivain suisse, vivant à Genève.Il a publié à ce jour une douzaine d’ouvrages de formes variées — roman, nouvelles, essai, journal, bande-dessinée, roman-photos — et réalisé de nombreuses expositions réunissant dessins, sculptures et textes.Ses œuvres, fortement marquées par son intérêt pour la géographie et l’histoire, s’appuient en particulier sur des questions de géologie, d’archéologie, d’art conceptuel, de neurosciences, d’apiculture ou de tourisme.
Jérémie Gindre (*1978) is a swiss artist and writer living in Geneva.To date he has published more than a dozen works in diverse forms – from novels to short stories, essays and articles to comic strips and photographic novels – and has presented his work, which combines drawing, sculpture and text, in numerous exhibitions. His work is deeply marked by an interest in geography and history and is particularly influenced by certain aspects of geology, archaeology, conceptual art, neuroscience, apiculture and tourism.
Laurent Grivet
Né le 26/12/1971 à Versailles | Diplômé de L’École Louis-Lumière, Paris. Promotion Cinéma 1993
Photographe indépendant depuis 1995
Si on pouvait évaluer la vitesse d’une image, celle des photographies de Laurent Grivet devrait se situer entre 20 et30 km/h. Il ne s’agit pas de la vitesse des sujets, ni de la vitesse d’obturation, non plus de la célérité du photographe,mais de quelque chose qui les traverse et qu’on retient en parcourant l’ensemble de ses séries. Un léger vent tiède etpersistant, entre 20 et 30 km/h, environ.
Céline Guichard
Céline Guichard est une artiste qui produit des images étranges, surréalistes, fantastiques et grotesques inspirées de ses obsessions pour la biologie humaine, l’anormalité, le rêve et la transgression.
> site de l'artiste
Hippolyte Hentgen
Prête à faire manger les pissenlits par la racine à toute tentative de rapprochements stylistiques, l'oeuvre d'Hippolyte Hentgen se réalise à travers une pratique du dessin et des volumes explosée et détonnante, à l'image de cet artiste à quatre mains travaillé par Gaëlle Hippolyte et Lina Hentgen.
Des sculptures aux installations en passant par les oeuvres sur papier, sur bois ou sur tissu, Hippolyte Hentgen s'amusent à multiplier les pistes d'un héritage artistique manifestement revendiqué. Aussi ne cachent-elles pas leur admiration illimitée pour Jim Shaw autant que pour la peinture de Öyvind Fahlström, Philip Guston, Ernest T. ainsi que pour l'oeuvre sculpturale de Richard Artschwager ou encore Paul Thek.
Mais loin d'être passive et de se limiter à un exercice de style, cette admiration tire les fils d'une insoumission commune à l'austérité et au consensus. Pour nous emporter loin dans sa ronde frénétique.
+ d'infos
Ready to make eat dandelions by the root in any try of stylistic rapprochement, the work of Hippolyte Hentgen comes true across a practice of the drawing and of volumes blown up, just like this artist at four hands worked by Gaëlle Hippolyte and Lina Hentgen.
Sculptures in installations by way of writings on paper, on wood or on cloth, Hippolyte Hentgen have a good time multiplying the tracks of an apparently demanded artistic inheritance. Also they do not hide their limitless admiration for Jim Shaw so much quepour the painting of Öyvind Fahlström, Philip Guston, Ernest T. as well as for the sculptural de Richard Artschwager work or else Paul Thek.
But far from being passive and limiting itself to exercise of style, this admiration pulls lesfils of a common insubordination in austerity and in consensus. To take us far in her frenetic round dance.
Jean-François Karst
Axé sur la pratique du dessin, de la peinture avec des incursions du côté de la sculpture, le travail de Jean-François Karst interroge la notion de représentation, d'imitation, de transformation, mais également de contraintes liées aux matériaux et aux lois. Comme dans ces objets ou tableaux en peinture acrylique et mousse polyuréthane, où la peinture prend la forme et l'apparence de la toile et des clous, qui constituent habituellement les éléments d'un tableau, mais ici déformé par l'expansion de la mousse polyuréthane. Ou encore avec cette série d'antennes paraboliques en céramique, sortes de fac-similés à priori aux antipodes de toute question ornementales et quasi indécelables lorsqu'elles sont placées dans leur contexte ordinaire. En parallèle Jean-François Karst développe depuis plusieurs années un travail de dessin autour de la question du motif.
Jean-François Karst est né en 1975. Il est le Cofondateur des ateliers d'artistes et project room Lage Egal à Berlin. Son travail est représenté par la galerie Rose Burlingham à New York.
Site web : www.jeanfrancoiskarst.fr
Kerozen
Stéphane Prigent vit et travaille à Paris. Il dirige la maison d'édition FLTMSTPC depuis 1999 et a publié plus d'une centaine de livres (Nazi Knife, False Flag, Frédéric Magazine) et de zines par Hendrik Hegray, Jonas Delaborde, Shoboshobo, Leon Sadler, Julien Carreyn, Antoine Marquis et beaucoup d’autres. Stéphane Prigent est l'un des membres fondateurs de Frédéric Magazine.Son travail parle de l'histoire d'un monde fait de pierres vivantes dans un cosmos de papier avec une porte massive menant à un couloir en flammes. Ou les positions géographiques et physiques deviennent des gaz invisibles et des signes transparents.
Bénédicte Klène
Plasticienne et « chroni-croqueuse », Bénédicte Klène développe un travail artistique ouvert et protéiforme (dessin, peinture, sculpture, installation, livre d’artiste) qui nous amène à interroger la place de l’art dans l’espace sensible, physique et mental que nous occupons. Son univers artistique explore ces questions fondamentales que tissent dessin, dessein, couleur et espace dans la matérialité même de l’oeuvre.Les « Petits Riens » désignent les croquis que l'artiste réalise sur des carnets de voyage qu'elle a longtemps tenus secrets. Le papier est toujours placé au coeur du processus créatif. Avec elle, le dessin part à la rencontre des gens, des autres, de la vie quotidienne ou de l’inconnu, toujours en trait d'union avec le monde. Il est omniprésent, vital et jubilatoire, énergique et foisonnant, privilégiant une expérience du regard qui interroge inlassablement notre relation au temps, au déplacement, à l’espace et au monde.Elle nous incite à regarder autour de nous avec un peu plus d’intensité, à focaliser notre attention sur quelque chose, tout en se questionnant sur les liens qui unissent les images de ses « Petits Riens » à la réalité qui nous entoure.. pour retrouver tout simplement l’immense plaisir de regarder.
http://benedicteklene.wordpress.com
http://leseditionslespetitsriens.blogspot.fr
Vincent Kohler
Né en 1977. Vit et travaille à Lausanne (Suisse).
Vincent Kohler a débuté sa pratique de la sculpture et de la peinture, en créant par exemple des animaux fantasmagoriques, comme un monstre en patate. Ces expériences l’ont amené ensuite à imaginer des sculptures inspirées d’objets existants mais transformés et détournés de leur fonction originale, auxquels il ajoute mouvement ou autres artifices (parquet hanté, montagne fumante, radis géants, …) Il développe une pratique artistique multiforme entre sculpture, peinture, et vidéo. Il a été membre du collectif PAC et de son lieu d’exposition CAP et actuellement du collectif Abc. Il a enseigné la batterie, formé le groupe rock Kunst et publié Bricopolis, un livre d’artiste pour les enfants.
Benoit Laffiché
En un moment historique où chaque forme de vie est sous l'emprise du processus de globalisation économique, il s'agit pour l'artiste, plus que jamais, de travailler in situ et in vivo. In situ : en un lieu précis de la planète, un lieu doté de coordonnées géographiques, économiques, culturelles et humaines spécifiques, qu'il s'agit de découvrir et de comprendre. In vivo : au coeur du vivant, en dialogue avec les Multitudes. L'installation vidéo Vasanthi & Vani Theaters de Benoît Laffiché est la représentation déconstruite d'un processus de destruction.
Lire la suite http://ddab.org/fr/textes/LAFFICHE
Alain Le Borgne
Depuis une quinzaine d'années les artistes Bernadette Genée et Alain Le Borgne conçoivent et réalisent des projets communs. Ils créent des liens avec différents milieux et univers en apparence éloignés du monde de l'art (gens du cirque, agriculteurs, industriels du textile, militaires ou religieux de la cité du Vatican par exemple).Ils développent parallèlement une réflexion sur l'usage des documents en lien direct avec les activités humaines.Les artistes tentent, par de légers déplacements et de nouvelles rencontres, de dégager d'autres lectures des mondes observés. Si leur collecte n'est pas scientifique, elle est cependant organisée et procède par corpus sélectionnés, comparant les traces à articuler pour aboutir à des représentations inattendues.Ils produisent régulièrement des éditions et livres d'artistes qui témoignent des échanges et saisies effectuées pour chaque recherche.
Steven Le Priol
Le travail de Steven Le Priol se caractérise par l’usage de moyens modestes, souvent empruntés aux arts et traditions populaires (papier découpé, modelage, dessin). Pourtant, au-delà de l’aspect immédiatement « charmant » de ses pièces, se révèle un univers traversé par la cruauté et la violence du monde. Faits divers, violence banale, chronique d’une société fascinée par le pouvoir, tout est ici épinglé dans une apparente légèreté. Le travail de Steven Le Priol mêle les références à la théorie du complot, au fascisme, à l’histoire, aux fictions collectives, au cinéma d’horreur ou aux spectres et fait se télescoper les notions de réel et de fiction, d’histoire et de mémoire, de collectif et de personnel. Son travail s'articule autour d'images et de postures équivoques. Une sorte de monde parallèle dont on ressort comme d’un train fantôme de parc d’attraction, partagé entre frisson, soulagement et irrépressible envie d’y retourner.
Diplômé de l'École Nationale Supérieure D'arts de Paris/Cergy, Steven Le priol est représenté par la galerie Bendana-Pinel Art Contemporain (Paris).
Angélique Lecaille
Briac Leprêtre
Briac Leprêtre représente des scènes quotidiennes : une jeune fille à la plage, un garçon le nez en sang, une photo de classe, un repas de famille, un lampadaire au sol, des chiens, un lapin... Réalisées en aquarelle, ces scènes banales prennent une tournure inquiétante bien qu'elles soient familières. Ce malaise est sans nul doute dû au décalage entre les scènes représentées – issues de photographies de famille ou sélectionnées dans des magazines – et le médium choisi, habituellement utilisée pour de jolis sujets. Ici on peut dire que Briac Leprêtre maltraite ses sujets. La pauvreté banale dont il joue et qui accroche par son esthétique décalée nous renvoit à une certaine petitesse dans laquelle nous nous reconnaissons tous : notre grand-mère, la maison de notre voisin, le jour où notre cousin s'est fait casser la gueule, le lapin de notre enfance...
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Richard Louvet
Né en 1979. Vit et travaille à Rennes. Il est artiste plasticien et développe sa pratique artistique principalement à partir de la photographie qu’il envisage comme un territoire d’échanges artistiques et d’expériences sociales. Que ce soit dans des photographies quotidiennes ou des prises de vue à la chambre, il multiplie les points de vue, diversifie les techniques et brouille les frontières entre photographie documentaire et plasticienne. Son rapport à l’image, dans un réel engagement politique, interroge la conscience du public face à ses réflexes culturels.
Born in 1979 he lives and works in Rennes. He is a visual artist and develops his artwork mainly through photography which he sees as a territory for artistic exchanges and social experiences. Whether in everyday photographs or camera view shots, he multiplies perspectives, diversifies techniques and blurs the line between documentary and fine art photography. His connection to the image, in a real political commitment, examines the audience’s conscience when confronted with his cultural reflections.
Adriana Lozano
Mon nom est Adriana Maria Fernanda Lozano Román, artiste colombienne. J'aime dessiner.
My full name is Adriana Maria Fernanda Lozano Román, colombian artist. I like to draw.
Antoine Marquis
Antoine Marquis, peintre et dessinateur originaire de La Roche-sur-Yon. Après un court passage aux Beaux-Arts de Rennes, il poursuit son travail à Paris où se croisent fleurs, Paul Delvaux, partouzes animalières, natures mortes aux homards, Léon Spilliaert, bondage bas de gamme et chiens guides d’aveugles.
Atelier McClane
"Nous avons commencé à travailler ensemble début 2013, motivés par nos influences communes et notre pratique du dessin. La sérigraphie et l’auto-édition ont été un moyen de gagner en autonomie, de diffuser notre travail nous-même et d’évoluer dans des scènes alternatives dont l’éthique nous parlait. Aujourd’hui, si l’auto-édition et la sérigraphie restent centrales dans notre travail, nous nous sommes ouverts à d’autre pratiques (installations, peintures murales, photographie...) et toutes se chevauchent et se rencontrent continuellement.
Nous abordons des thématiques liés à nos réflexions sur la place du politique dans le quotidien. Nous tentons de comprendre la manière dont les systèmes de dominations pèsent sur l’individu sensible et son environnement. Avec la radicalité du noir et blanc et la figuration, nous composons des images symboliques, à différents niveaux de lecture et laissant toujours place à une possible narration. Sans réponses ni mode d’emploi, nous projetons notre vision, nos questionnements et nos prises de position."
Gwenn Mérel
Gwenn Mérel cherche à recréer l’émotion générée par les expériences ténues du monde, de matérialiser l’enchantement d’instants insaisissables. Elle enregistre, filtre, diffuse une poétique quotidienne. Son travail oscille entre sublimation de fragiles phénomènes et questionnement du rapport entre l’homme et les espaces grandioses. Observatrice discrète, contemplant le monde sans s’y plonger, elle utilise l’installation, la vidéo, la projection de diapositives, le dessin ou encore la sculpture comme moyen de capter le presque-rien. Au-delà de l’observation de phénomènes, ces actions contemplatives rendent manifeste le manque d’attention induit par l’habitude et le devoir quotidien de la productivité.
http://gwenn-merel.frAnna Mermet
Anna Mermet est plasticienne et performeuse. Elle vit actuellement en France, après avoir passé trois ans en Colombie et en Argentine. Les actions et les installations qu’elle propose sont autant de tentatives d’inscrire une trace poétique dans les espaces et les matières qu’elle rencontre. L’engagement du corps et la répétition du geste qu’elle donne à voir et à entendre à travers la vidéo ou la performance sont d’humbles postures d’apprentissage. Un lent processus à travers lequel elle noue une relation plus intime avec ce qui l’entoure.
Evelise Millet
Née en 1987 en Avignon, Evelise Millet est diplômée de l’école supérieure d’arts & médias de Caen (2013) et de l’école supérieure d’art d’Épinal (2010). Elle cultive un champ élargi du dessin. Sa recherche tente de trouver de nouvelles manières de développer la ligne dans l’espace, de la mettre en scène, ou encore de l’imprimer et de la mettre en page.En explorant les dispositifs de vision, les fausses perspectives et les juxtapositions de plans, ses dessins interrogent les problèmes de représentation. Ce sont des paysages construits dans lesquels l’œil circule. S’aperçoit-on ainsi que l’objet du dessin n’est pas tant la représentation du sujet mais la représentation même.Depuis 2013, elle collabore avec le plasticien Nicolas Roussel. Ils travaillent ensemble sous le nom de « Caroline Karst » et croisent les formes imprimées, la capture d’images et la pratique du dessin.
. Mioshe
C’est l’histoire d’un sale gosse qui tombe dans la bombe dès le lycée, et va se découvrir un amour pour recouvrir les murs. Le fluet Antoine Martinet se mue en Mioshe, sorte de Jérôme Bosch de poche, enfant terrible de l’art de rue, démiurge d’un univers chimérique peuplé de satyres étirés et attirants.
Nickolas Mohanna
Nickolas Mohanna est un artiste et compositeur américain basé à New York. Sa pratique interdisciplinaire utilise divers médias pour explorer et brouiller les frontières entre la musique, le son, la vidéo et le dessin. Dans son travail, il joue avec les relations et dépendances entre les esthétiques créées par la main de l'homme et celles nées d'une machine. Il est aussi le fondateur de la maison d'éditions Run/Off basée dans le Bronx qui développe de petits tirages conçus en étroite collaboration avec chaque artiste.
Nickolas Mohanna is an American artist and composer based in New York City. His interdisciplinary practice utilizes a variety of media to explore and blur the borders between sound, video and drawing. In these works, there is a tendency to invoke a push & pull between hand and machine system aesthetics. He is also the founder of the Bronx-based publishing imprint Run/Off, which seeks to develop small editions that are designed and created in close collaboration with each artist and designer.
Morvandiau
Né à Rennes en 1974, Morvandiau persévère comme dessinateur de presse et auteur de bande dessinée sous l’influence de son grand frère Tanitoc. Au début des années 1990, avec quelques amis, il crée le fanzine d’humour et de poésie Kalemia sur Le Tanganyika. Depuis il participe à de nombreuses aventures éditoriales alternatives et collectives (Jade, Ferraille, L’œil électrique, L’Eprouvette, Le Tigre, 9 semaines avant l’élection...) et publie des livres en trio, en duo ou en solo. En 2001, Morvandiau fonde Périscopages, manifestation annuelle consacrée à la bande dessinée d’auteur et à l’édition indépendante, qu’il dirige jusqu’à son autodestruction en 2011. Conseiller artistique d’un premier Monde Diplomatique en bande dessinée paru en 2010, il travaille actuellement à l’élaboration d’un deuxième opus et à bien d’autres projets prévus à partir de 2013.
Samir Mougas
Faite d'emprunts et d'hybridation, regardant aussi bien du côté de l'abstraction géométrique et du design industriel que du tuning et de la littérature scientifique, la pratique de Samir Mougas documente la migration des formes à travers l'histoire. Investigateur curieux, l'artiste répertorie des objets et phénomènes culturels, puis les connecte selon une logique à la fois subjective et argumentée. Qu'il puise dans l'art, l'industrie ou la culture, Samir Mougas révèle alors certaines circulations troublantes qui posent les bases d'une vision expérimentale du monde : une archéologie subjective.
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Jean-Marc Nicolas
Le travail de Jean-Marc Nicolas est celui d'un observateur. Un homme qui compile dans sa mémoire un nombre conséquent d'images, d'aperçus sur le monde ; un collectionneur de photographies - matérielles ou virtuelles - qu'il classe et organise minutieusement dans ses souvenirs pour les extraire le moment voulu et les associer à ses projets artistiques. Souvent insolites, parfois improbables, ces enregistrements récoltés au gré de ses voyages, de ses lectures ou de ses visites d'expositions, affichent d'emblée un rapport visuel choc. Ainsi naissent ses œuvres, du dialogue qui s'instaure subrepticement entre un lieu, un contexte singulier et quelques images-souvenirs dont la résurgence favorise par ricochet l'échafaudage des projets.
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Bill Noir
Collagiste, sténopiste, sérigraphe, cinéaste super 8, j’explore et diffuse aussi mes intérêts pour l’image via la micro édition au sein de « Mékanik Copulaire ». Mes collages, sont le fruit d’errances : la combinaison entre la recherche, la récupération, la collection d’images et de livres singuliers, ainsi que le temps consacré au classement, au défrichage, à l’organisation du « désordre » qui caractérise l’espace de création. Le bureau du collagiste devient laboratoire, bibliothèque, surface de rencontres et de tous les possibles. C’est l’attirance pour l’image comme objet qui est le moteur de mon envie de coller. L’occasion aussi de transmettre mon émerveillement pour des textures, des couleurs, les matières qu’offre les surfaces imprimées du 20e siècle. Ainsi, c’est en associant, en combinant, en confrontant des images d’origines variées, que le sens et la composition se charge de rendre le geste du collage en acte brutal, engagé, le cri qui surgit des revues endormies, le message sous-jacent qui chemine au travers de l’inconscient collectif.
Gianpaolo Pagni
Gianpaolo Pagni depuis une dizaine d’années crée ses tampons et les utilise comme des outils de dessin. Son travail se concentre autour du souvenir et de la fiction, du motif, de la répétition, d’une forme d’archéologie personnelle mise au jour grâce à diverses techniques d’empreintes. Le livre, qu’il soit unique ou imprimé, est un espace lui permettant de créer une lecture particulière de séries d’images. Ses absurdes et poétiques « enquêtes au tampons » sont publiées tous les mois depuis 2011 dans la revue Le Tigre et en tant qu’illustrateur il collabore avec Le Monde, So foot, L’Optimum, International Herald Tribune.
+ sur l'artiste
Guillaume Pinard
J'ai soigné mon hystérie et désormais j'aspire plus à l'oxygène qu'au dioxyde de carbone. Je me suis longtemps considéré comme un distributeur de glaçons. Je pense être maintenant en mesure de servir l'alcool qui va avec.
Lire l'entretien avec l'artiste ici
+ blog de l'artiste
Julie Portier
Julie portier (née en 1982) est journaliste et critique d’art. Elle collabore régulièrement à des revues spécialisées, en particulier le Quotidien de l’art. Elle est l’auteur de nombreux textes monographiques, en majorité sur des artistes de sa génération. Actuellement en résidence à Mains d’œuvres à Paris, elle y mène ses activités d’écriture et d’autres projets d’exposition et d’édition. A Rennes, elle est présidente de l’association Vivarium, atelier d’artiste mutualisé. Elle est membre du comité de rédaction de la Belle Revue située à Clermont-Ferrand. Elle collabore aussi avec la galerie Sémiose à Paris. Elle est membre du comité technique du Frac Basse-Normandie. Elle intervient dans les écoles d’art, et mène un Atelier recherche et création à l'école des Beaux-arts du Mans.
Thibault Proux
Editions :Elsa Quintin
Elsa Quintin / le dessin observé / zeitgeistwin / knappy kaiser nappy
Elsa Quintin / le dessin observé / zeitgeistwin / knappy kaiser nappy
Babeth Rambault
Babeth Rambault est née en 1971. Elle vit et travaille à Rennes. Elle est diplômée des Beaux-Art de Bordeaux. Son travail a été présenté au Centre d’Art Le Parvis (Tarbes), au Musée Calbet (Grisolles) et dans des expositions collectives, au 116 centre d’Art-contemporain (Montreuil), à la Station (Nice), à Montévidéo (Marseille).Depuis 2008, elle dirige la galerie BIEN visible sur internet et dédié à l’art contemporain.
Mathieu Renard
Mathieu Renard travaille sur le détournement et le parasitage d’images et de mots, leur conférant ainsi un nouveau sens et une nouvelle portée esthétique.
Inscrit dans une remotivation de différents courants artistiques, son travail appelle des relectures de l’Histoire, que celle-ci soit politique, sociale ou artistique, et transfigure ces réels. Son travail regarde et transforment tics et stéréotypes d'une civilisation de l'image et du mot en endossant les casquettes multiples et parfois contradictoires d'illustrateur, écrivain, photographe, journaliste, marchand, éditeur, graphiste… d'artiste. Particulièrement sensible au support papier, aux modes d’impressions et de reproductibilité et aux manipulations -sur le fond comme sur la forme- qu'ils permettent, il a notamment publié quatre mains avec la documentation céline duval, édition spéciale n°1 chez zédélé éditions, Delta chez John Magazine et Summer Boys chez Pin Up Badges. Il a contribué à différentes publications comme la Rili, Le Tigre, Tissu, Kaugummi, Inox, Rhinocéros… Né en 1974 à Rennes, il est le fondateur de Lendroit éditions qu'il dirige depuis 2003.
Matthew Fox working on the diversion and the interference of words and images, giving them a new meaning and a new aesthetic significance. Part of a remotivation of different artistic movements, his work try reinterpretations of history, in a political, social or artistic sense, and transforms the real. His work looks and transform stereotypes and mannerisms of a civilization of the image and the word, accepting different and sometines conflicting roles as illustrator, writer, photographer, journalist, merchant, publisher, graphic ... artist. Particularly sensitive to the paper, the printing modes and reproducibility, and manipulation on the bottom as the shape-they can, he has published Quatre mains with documentation céline duval, Édition spéciale No. 1 in zédélé editions, Delta Magazine at John and Summer Boys at Pin Up Badges. He has contributed to various publications such as Rili, Le Tigre, Tissu, Kaugummi, Inox, Rhinoceros ... Born in 1974 in Rennes, he is the founder of Lendroit éditions he has headed since 2003.
Samantha Richard
Samantha Richard vit et travaille à Rennes. Sa pratique tourne tout d’abord autour de la photographie qu’elle manipule allègrement. Puis, par les voyages et les rencontres elle enrichit son travail par un apprentissage de différentes techniques. Elle assiste régulièrement le sculpteur de Land art Patrick Dougerthy lors de ses passages en France.
Pascal Rivet
Figure atypique de l'art contemporain français, Pascal Rivet a toujours célébré le dialogue entre art et culture populaire : après s'être immergé dans l'univers du sport, il scrute le monde professionnel et ses icônes automobiles, à la fois urbaines et rurales.Voiture Darty, mobylettes de livreurs de pizza, fourgon Brink's, moissonneuse-batteuse ou tracteur...Autant de véhicules utilitaires, construits à l'échelle 1 en bois peint aux couleurs des originaux, qui interrogent obstinément le geste de reproduction.
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Christian Robert-Tissot
Editions :Anne-Laure Sacriste
Née en 1970 à Paris Vit et travaille à Paris.Le travail d'Anne Laure Sacriste (diplômée de l’ENSBA), repose sur la peinture et son rapport dans l'espace. C'est autour de l’acte de vision même que s'articule son univers. Ses peintures posent l'hypothèse qu'il n'y aurait de perception que par ses point-limites, ainsi l'aveuglement et l'éblouissement. On ne voit qu'à partir du moment où l'on cesse de ne plus voir : au sortir de la nuit ou en détournant ses yeux du soleil… Aussi a-t-elle développé en particulier deux types de peintures, noires (série Mystery, depuis 2006), ou au contraire, iridescentes (série Paradis Artificiels, depuis 2009). Ces paysages sont porteurs des qualités qui sont attribuées à ces deux nuances : glaciation, retrait et profondeur ou bien exubérance et aplat. Dans ses dernières recherches (publication Orion Aveugle, ed. Shelter Press, 2014), elle radisalise ces gestes de peinture dans des compositions de tableaux abstraits et figuratifs. Parmi ses expositions personnelles, on peut citer « Reverse Island » au Musée d'Art moderne de St Etienne, « Et in Arcadia ego », au Centre d’art L’Onde, Vélizy-Villacoublay. Elle est invitée à présenter ses dernières peintures au 8, rue Saint Bon à Paris (9 – 23 septembre) et aux Entretiens sur l'art de Patrick Javault à la Fondation d'enreprise Ricard le 16 septembre.
Matthieu Saladin
Matthieu Saladin, artiste et musicien, vit et travaille à Paris. Sa pratique s’inscrit dans une approche conceptuelle de l’art, réfléchissant, à travers un usage récurrent du son, sur la production des espaces, l’histoire des formes et des processus de création, ainsi que sur les rapports entre art et société du point de vue économique et politique. Elle prend aussi bien la forme d’installations sonores et de performances que de publications (livres, disques), de vidéos et de créations de logiciels.
Il est maître de conférences en arts sonores à l’université Paris 8, membre de l’équipe TEAMeD au sein du laboratoire Arts des images et art contemporain (AI-AC) et chercheur associé à l’institut ACTE (université Paris 1 – Panthéon – Sorbonne, CNRS UMR 8218). Sa recherche théorique porte principalement sur l’art sonore et les musiques expérimentales. Il codirige la collection Ohcetecho aux Presses du réel, participe aux comités de rédaction des revues Volume! et Revue et Corrigée, et est directeur de rédaction de la revue de recherche TACET.
Son travail est représenté par la galerie Salle Principale et est présent dans les collections du FRAC Franche-Comté, du FRAC Normandie Rouen et de la Fondation Kadist.
Roland Sénéca
Né en 1942 en France, Roland Sénéca vit à Douarnenez (Finistère) depuis 1968. Pratiquant aussi bien le dessin, la peinture que la gravure, cet artiste a également publié de nombreux ouvrages dont certains sont présentés dans cette exposition. Son œuvre est axée sur la sensation, sur le corps et ses formes, c’est-à-dire sur l’homme au sein du monde. Ses gravures mêlent des esthétiques aussi bien telluriques qu’organiques tout en revenant à l’élémentaire, et deviennent des espaces mystiques et oniriques où l’inconscient du spectateur peut se projeter. Son travail met ainsi en perspective un principe d’évolution aussi bien des formes, de la création, que des perceptions. En novembre 2014, Lendroit éditions propose de présenter son travail en exposant une sélection de sérigraphies de grands formats occupant l’ensemble de l’espace de la galerie. Parallèlement Lendroit édite Le Pari, recueil de dessins. Ainsi, afin de faire exister son travail et d’en proposer une réelle visibilité, Lendroit propose de l’appréhender par deux prismes: l’exposition et l’édition. En ce sens, l’espace d’exposition et l’espace du livre peuvent se compléter et dialoguer afin de mettre en lumière les enjeux de l’œuvre de Roland Sénéca.
Amélie Taillard
Après avoir travaillé dans le domaine musical, sans avoir fait d’étude particulière, tout en vivant dans diverses villes, j’ai commencé à dessiner, à faire de la photographie argentique. Après des participations diverses à des fanzines collectifs (Le Bruit du jambon, Superstructure, C°1, Les slips de papa...), j’ai été amenée à faire ce Jet Lag. En 2015, j’ai crée avec des amis le label Consternation (label rennais), qui édite des objets musicaux et des éditions (livres, fanzines, cartes postales...). Il m’arrive aussi de passer de la musique sous le nom de Aube, en écoutant beaucoup, cherchant à découvrir.
peaufineamelie.tumblr.comYves Trémorin
La photographie contemporaine, pour peu qu'elle cherche à se construire non dans la puissance de l'instant mais avec une conscience délibérée de l'anachronisme du symbole, sait rejouer, réactiver, actualiser tous ou presque tous les modes de la représentation, même des plus anciens. Trémorin requiert une puissance de sens ancienne : celle de l'emblème. Sans nul indice de nostalgie pour les formes et langages historiques.
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Fabio Viscogliosi
«Les oeuvres de Fabio Viscogliosi explorent la frontière ténue qui existe entre figuration et abstraction. Quelques formes pleines et traits de couleurs juxtaposés composent les bases d’une esquisse que notre cerveau ne peut s’empêcher d’achever (comme il le fait en interprétant la forme des nuages ou des rochers). Ici les éléments possibles d’un paysage, là l’esquisse d’une architecture, ailleurs le détail d’un élément mécanique… Mais finalement rien de moins sûr que tout cela. La composition de ces peintures laisse la possibilité — ou pas — à la représentation. Et l’œil hésite entre le macroscopique et le microscopique, entre la figure et le paysage, entre la surface et l’image. Une science de la composition qui va autant puiser aux origines de l’abstraction que dans les codes graphiques et narratifs de la bande dessinée.» Olivier Vadrot
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Atelier Wunderbar
Atelier Wunderbar est un atelier graphique basé à Rennes. Fondé en 2012 par Richard Louvet, l’atelier est à géométrie variable en fonction des projets.
Spécialisé dans l’identité graphique et les projets d’éditions nous avons l’ambitions de développer une pratique résonnée et pédagogique du graphisme dans l’échange et la compréhension mutuel avec nos interlocuteurs.
La formation est également une mission importante pour l’atelier, que ce soit en formation initiale, en formation continue ou encore avec les clients, l’accès à la culture graphique est pour nous un préalable et sans aucun doute le meilleur moyen de réussir un projet.
David Zérah
Les travaux photographiques de David Zerah se remarquent d'abord par leur qualité esthétique : les tirages, en couleur, accrochent le regard par leurs couleurs vives, la variété des compositions, qui peuvent jouer aussi bien sur des plans panoramiques que sur le rendu de détails ou d'objets. Les sujets donnent une impression de familiarité, de scènes ordinaires ou déjà vues, de paysages ou d'objets qui peuplent notre quotidien. Un sentiment d'étrangeté s'en dégage pourtant rapidement : de toute évidence, David Zerah n'est pas un photographe documentaire, ou, s'il fait appel à des images connues, c'est pour nous interroger sur le mystère ou l'étrangeté qu'elles peuvent dégager : on sent bien qu'il y a, quelque part, une mise en scène qui créé un décalage entre la vision « ordinaire » et celle que nous proposent ces images.
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Lendroit éditions
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